Hans Hofmann:
Der Vater des abstrakten Expressionismus
3. Februar - 31. Mai 2025
Landschaft Nr. 108, 1941, Öl auf Platte, 23 1/4 x 29 1/4 Zoll.
Nur wenige Künstler hatten einen so großen Einfluss wie Hans Hofmann, dessen Gemälde und Lehren über Generationen von Künstlern nachhallen. Während seine Pädagogik die künstlerische Praxis für ihn selbst und andere prägte, sind es seine Gemälde, die Hofmann zu einem der größten amerikanischen Maler nach dem Zweiten Weltkrieg gemacht haben.
Heather James ist stolz darauf, diese Ausstellung von Hans Hofmann zu zeigen, die drei Jahrzehnte an Werken abdeckt, mit einer großen Auswahl an Gemälden, die von einem einzigen privaten Sammler stammen. Was bedeutet es, einen Künstler intensiv zu sammeln? Vielleicht ist eine bessere oder interessantere Frage, um Yeats zu paraphrasieren, wie können wir den Sammler von der Sammlung unterscheiden? Die beiden sind untrennbar miteinander verbunden. Um das eine zu verstehen, muss man auch das andere verstehen. Wir können die Persönlichkeit des Sammlers durch die Eigenheiten der Sammlung enthüllen.
Eine Sammlung, die so viele Gemälde von Hans Hofmann umfasst wie diese, zeugt von einem Sammler, der Stücke schätzte, die sowohl das Herz als auch den Verstand ansprechen. Wie Menschen sind auch Sammlungen oft nie vollständig, ein ständiger Prozess des Aufbaus und manchmal des Loslassens. Sammler sind zeitweilige Verwalter eines kulturellen Erbes, und der Umfang und die Qualität dieser Sammlung mit ihrem Schwerpunkt auf den 1940er Jahren zeugen von der anhaltenden Liebe dieses Sammlers zu Hofmann. Die gesammelten Werke stellen auf ihre Weise einen visuellen Essay über Hofmann dar und geben uns neue Einblicke in diesen Giganten des20. Jahrhunderts.
Die Ausstellung durchläuft drei Jahrzehnte der Malerei, von den 1940er bis zu den 1950er Jahren, und führt uns durch die tiefgreifenden Umwälzungen, die Hofmann nicht nur in seinem eigenen Werk, sondern in der Kunstgeschichte im Allgemeinen ausgelöst hat.
Ausstellung Kunstwerke
"Kunst ist der Ausdruck der überfließenden Seele des Künstlers."
- Hans Hofmann
Wer ist Hans Hofmann?
"Der Maler muss durch die Farbe sprechen, nicht durch Worte". - Hans Hofmann
Der 1880 geborene Hofmann, eine Generation entfernt von den ältesten abstrakten Expressionisten wie de Kooning oder Rothko, verbrachte das entscheidende Jahrzehnt zwischen 1904 und 1914 in Paris, kannte Picasso und Matisse und war bei der Eröffnung der großen Cézanne-Retrospektive 1906 vor Ort. So ist es nicht verwunderlich, dass Hofmann nach seiner Ankunft in New York im Jahr 1932 einen etwas umständlichen Weg durch eine Reihe von Stilen einschlug. Dennoch blieb er den Grundideen der Malerei stets treu.
Jahrzehnte bevor er leuchtende Rechtecke aus reiner, fließender Farbe malte, die gemeinhin als "Slabs" bekannt sind, pinselte, fleckte und tropfte Hofmann Farbe mit einer lockeren, auf Zufall beruhenden Hand. Ob er oder Pollock der Pionier der "Tropf"-Maltechnik war, ist noch immer umstritten. Weniger umstritten ist der Einfluss seiner Lehre auf Joan Mitchell und einige der jüngeren Maler, die sich einer lyrischeren, stärker an der Natur orientierten Form des Abstrakten Expressionismus zuwandten.
1940s
"Die Kunst führt zu einer tieferen Lebensauffassung, weil die Kunst selbst ein tieferer Ausdruck des Gefühls ist." - Hans Hofmann
Jede Analyse des Werks von Hans Hofmann ist unvollständig ohne die Betrachtung seiner kleinen Landschaften, die ihn zwischen 1940 und 1944 beschäftigten. Diese Werke stellen einen entscheidenden Moment in seiner künstlerischen Entwicklung dar: den Übergang von den von Matisse inspirierten figurativen Stillleben, Porträts und Interieurs zur reinen Abstraktion, die später seine Karriere bestimmen sollte. Die im Fauvismus verwurzelten und an Kandinskys Frühwerk angelehnten Werke sind ein eindrucksvolles Zeugnis von Hofmanns sich entwickelnder Bildsprache während dieser transformativen Periode.
In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts ist jedoch ein deutlicher Wandel in Hofmanns Praxis zu beobachten. Dieser Wandel sollte nicht unterschätzt werden, denn 1947 malte Hofmann im Alter von 65 Jahren immer noch, und anstatt sich auf eine einzige Herangehensweise an die Leinwand festzulegen, drängte Hofmann darauf, neue Möglichkeiten der Malerei zu entdecken. In dieser Zeit wendet sich Hofmann von der fließenden, malerischen Dynamik seiner früheren Werke ab, indem er auf Linearität setzt. Von 1944 bis 1951 durchdringt dieser lineare Impuls seine Praxis und signalisiert eine anhaltende Erkundung von Ausdrucksformen, in denen er sich mit der Vereinbarkeit von Abstraktion und Struktur auseinandersetzt.
Hofmann gelang es, die früheren Durchbrüche der europäischen Moderne wie Surrealismus und Kubismus mit der gestischen Freiheit des amerikanischen Abstrakten Expressionismus zu verbinden. Hofmanns bewusste Erkundungen in den späten 1940er Jahren unterstreichen seine einzigartige Fähigkeit, Werke zu schaffen, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen und sich als zutiefst persönliche Erkundungen von Form und Farbe abheben.
1950s
"Das Unsichtbare zu spüren und es erschaffen zu können - das ist Kunst." - Hans Hofmann
In den 1950er Jahren ging Hofmann auf die 70 zu, immer noch so neugierig und bahnbrechend wie eh und je. Der 72-jährige Hans Hofmann bearbeitete seine Leinwände mit Bedacht und Überlegung, um durch Zurückhaltung Wirkung zu erzielen. Hofmanns Werk wird nie eng mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht, und doch schien er in diesem Jahrzehnt auf diese frühere Avantgardebewegung zurückzugreifen, indem er sie mit dem Abstrakten Expressionismus verband und die Anpassungsfähigkeit seiner berühmten "Push-Pull"-Theorie unterstrich, bei der die sich ausdehnenden und zusammenziehenden Kräfte von Farbe und Form Oberflächenspannung, Tiefe und Bewegung erzeugen.
In diesem Jahrzehnt begann Hofmann auch, Farbpassagen zu erforschen und einzubeziehen, indem er sie im Raum schweben ließ, wo sie ein Gefühl der Spannung gegenüber den schwungvollen Pinselstrichen erzeugten und durch Überschwang miteinander harmonierten.
1960s
"Ich kann nicht verstehen, wie jemand ohne Optimismus malen kann. Trotz der allgemeinen pessimistischen Haltung in der heutigen Welt bin ich nichts anderes als ein Optimist." - Hans Hofmann
1960 wurde Hofmann als einer der vier Künstler ausgewählt, um die Vereinigten Staaten auf der Biennale von Venedig zu vertreten. Die Welt ist besessen von der Jugend und den Wunderkindern. Aus dieser Sicht war Hans Hofmann ein Spätzünder. Schauen Sie sich jedoch die abstrakten Expressionisten an, die Hofmann angeleitet hat - viele kamen erst in ihren 40ern zu ihrem Durchbruch. Oder David Park, der die figurative Bewegung in der Bay Area erst in seinen 40ern begründete. Oder in jüngerer Zeit Etel Adnan, die erst in den letzten Jahrzehnten ihres langen Lebens mit ihren Gemälden Anerkennung fand. Das Alter bringt Erfahrung und Perspektive mit sich.
Unter Beibehaltung seiner Push-Pull-Doktrin des Auftragens von Gegensätzen auf die Leinwand lotet Hofmann in diesem Jahrzehnt die Möglichkeiten der Farbe weiter aus. Einige Werke zeigen die anmutigen, lebendigen Pinselstriche einzelner Farben, die über die Leinwand huschen. Andere Werke zeigen Farbkleckse, die über einem aufgewühlten Meer von Farben schweben. Einige Gemälde scheinen sorgfältig geplant zu sein, während andere das Ergebnis eines wilden Zufalls zu sein scheinen. Aber nichts scheint überflüssig oder vergeudet. Alles zählt auf der Leinwand.
In den 1960er Jahren erlangte Hofmann in den letzten Jahren seines Lebens noch mehr Ansehen und Respekt. Vielleicht ist es die Vitalität und Dynamik von Farbe und Pinselstrich, die Hofmanns Ruf wachsen ließ. Vielleicht war es die wachsende Anerkennung seines Einflusses auf eine Generation von Malern wie Lee Krasner, Joan Mitchell und Wolf Kahn. Vielleicht ist es die Eigenart eines Künstlers, der sich nie in routinemäßigen Wiederholungen erschöpft, sondern seine Bilder als visuelle Forschung betrachtet, die vor Optimismus und Freude sprühen.
Künstler bei Hofmann
"Als Mensch und als Künstler, positiv, energisch und elegant. Ein Sport." - Helen Frankenthaler im Jahr 2003
"Hofmanns Abstraktion ist hart erkämpft: sie kommt aus der Darstellung der Welt um ihn herum... Habe ich ihn überbewertet? Ich denke nicht: Für mich ist dieser immer noch unterschätzte Künstler einer der großen Maler des Jahrhunderts." - Anthony Caro im Jahr 1990
"Hans Hofmann malt, als könne er in jene winzigen Teilchen der Gewalt hineinschauen, die die Erde wie eine Orange spalten können. Er zeigt uns die Vitalität der Materie, ihre Schöpfung und ihre Zerstörung, ihre Engel der Dunkelheit und des Lichts." - Tennessee Williams 1949
"Den ersten Eindruck, die volle Wirkung [des Kubismus], bekam ich erst, als ich mit Hofmann arbeitete." - Lee Krasner im Jahr 1938
Der menschliche Geist
"Kunst ist für mich die Verherrlichung des menschlichen Geistes, und als solche ist sie die kulturelle Dokumentation der Zeit, in der sie produziert wird." - Hans Hofmann
Hans Hofmann war ein echter Frühmodernist. Später, als reifer Künstler, der seine Fähigkeiten voll beherrschte, wurden seine Leistungen durch das anregende New Yorker Milieu, das den Abstrakten Expressionismus hervorbrachte, stimuliert - ja sogar ermöglicht. So ist es vielleicht nicht verwunderlich, dass Hofmann im Gegensatz zu den meisten Abstrakten Expressionisten, die einen einzigen ikonografischen Look verfolgten - Rothkos weichkantige Rechtecke, Franz Klines vergrößerte kalligrafische Striche, Clyfford Stills dunkle, zerklüftete Formen -, ständig nach unterschiedlichen und widersprüchlichen Effekten suchte.
Seine Gemälde waren äußerst vielfältig und schlugen einen weiten Bogen zu den aufregendsten Wegen, die der zeitgenössischen Abstraktion zur Verfügung standen. Hofmann war ein kühner Experimentator, der sich nicht lange auf einen einzigen Stil festlegen wollte und diese Absicht klar zum Ausdruck brachte. "Was ich am meisten hasse, ist, mich immer wieder zu wiederholen - einen falschen Stil zu entwickeln... Ich will erfinden, entdecken, mir vorstellen, spekulieren, improvisieren - das Risiko ergreifen, um mich inspirieren zu lassen."
Fragen Sie
Zusätzliche Ressourcen