Mitte der 1920er Jahre begann für Rufino Tamayo die entscheidende Entwicklungsphase zu einem anspruchsvollen, zeitgenössischen Koloristen. In New York begegnete er den bahnbrechenden Werken von Picasso, Braque und Giorgio de Chirico sowie dem anhaltenden Einfluss des Kubismus. Indem er malerische und plastische Werte anhand von Motiven aus Straßenszenen, der Populärkultur und dem täglichen Leben erforschte, nahm sein einzigartiger Ansatz für Farbe und Form Gestalt an. Es war ein entscheidender Wandel hin zu einer kosmopolitischen Ästhetik, der ihn von der nationalistischen Inbrunst der politisch aufgeladenen Erzählungen der mexikanischen Wandmalerbewegung abhob. Indem er sich auf die Vitalität der Populärkultur konzentrierte, erfasste er die wesentliche mexikanische Identität, die universellen künstlerischen Werten Vorrang vor expliziten sozialen und politischen Kommentaren einräumte. Dieser Ansatz unterstrich sein Engagement für die Neudefinition der mexikanischen Kunst auf der Weltbühne und hob seine innovativen Beiträge zum Dialog mit der Moderne hervor.

Wie Cézanne erhob Tamayo das Genre des Stilllebens zu einigen seiner schönsten und einfachsten Ausdrucksformen. Dennoch liegt der Leichtigkeit, mit der Tamayo lebendige mexikanische Motive mit den avantgardistischen Einflüssen der Pariser Schule verbindet, ein hohes Maß an Raffinesse zugrunde. Wie die Naturaleza Muerta von 1935 zeigt, weigerte sich Tamayo, in die bloße Dekoration zu verfallen, die oft die zeitgenössische Pariser Schule kennzeichnet, mit der sein Werk verglichen wird. Stattdessen erinnert sein Arrangement von Wassermelonen, Flaschen, einer Kaffeekanne und anderen Gegenständen, die in einer nüchternen, erdgebundenen Tonalität und einem unbestimmten, flachen Raum inszeniert sind, an Tamayos frühes Interesse am Surrealismus. Eine überlagerte quadratische Matrix unterstreicht den Kontrast zwischen den organischen Motiven des Gemäldes und der abstrakten, intellektualisierten Struktur, die ihnen aufgezwungen wird, und vertieft die Interpretation der Erforschung der visuellen Wahrnehmung und Darstellung durch den Künstler. Auf diese Weise dient das Raster dazu, zwischen der sichtbaren Welt und den zugrunde liegenden Strukturen, die unser Verständnis von ihr bestimmen, zu navigieren, und lädt den Betrachter dazu ein, das Wechselspiel zwischen Realität und Abstraktion, Empfindung und Analyse zu betrachten.