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Palm Desert Gallery Walkthrough - Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst

Mai 2021

Anlässlich unseres 25-jährigen Jubiläums freuen wir uns, weiterhin seltene, erstklassige Kunstwerke von geschätzten Künstlern wie Elaine de Kooning, Adolph Gottlieb, Agnes Martin und Joan Miro zu präsentieren. In den vergangenen 25 Jahren hat sich Heather James Fine Art zu einem globalen Netzwerk mit Galerien und Beratungsfirmen in den USA und Europa entwickelt. Allein im Jahr 2020 platzierte Heather James Fine Art 382 Kunstwerke in neuen Sammlungen auf der ganzen Welt, und wir sind stolz darauf, auch weiterhin andere bei der Erweiterung ihrer Sammlungen zu beraten.

STICHPROBEN VON NACHKRIEGS- UND ZEITGENÖSSISCHEN WERKEN

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

Öl auf Aluminium

Breuer-Weils Interesse an der Schaffung von Kunst, die mehrdeutige oder mehrfache Bedeutungen zum Ausdruck bringt, war für die Künstlerin eine fixe Idee. Flight thematisiert die Besessenheit des Künstlers, den Eindruck eines fliegenden Menschen in einer Skulptur zu erwecken, die die Schwerelosigkeit und Freiheit eines in der Luft schwebenden Menschen in Bronze darstellt. Dass er sich für Bronze entschieden hat, ein statisches Medium, das normalerweise Gewicht und Ort repräsentiert, ist schon herausfordernd genug, aber von den Assoziationen, die damit verbunden sind, kann "Flug" alles Mögliche bedeuten, von Freiheit oder Flucht bis hin zum "Inbegriff des modernen Bildes: der Mensch in Bewegung". Was die spindeldürren Zeltstangen betrifft, die vorgeben, die Figur ohne Stütze in die Höhe zu heben, so hat Breuer-Weil darauf hingewiesen, dass dieses thematische Motiv sowohl unsere Verbindungen zu anderen Menschen als auch zu unserer Vergangenheit darstellt. Breuer-Weil hat Flight in einer Auflage von 3 Exemplaren plus 1 Künstlerabzug gießen lassen.

DAVID BREUER-WEIL

2018 konzipiert

Alien ist eine Wiederholung von Breuer-Weils bahnbrechender Serie "Visitor". Es handelt sich um eine kolossale, sechs Meter hohe Bronze einer humanoiden Figur, die mit dem Kopf voran in die Erde gestürzt ist. Während die wilden, strampelnden Beine auf eine Aktion hindeuten, die den Körper aus seiner Gefangenschaft befreien soll, ist der Kopf so eingepflanzt, als ob er ein permanenter Umstand sein könnte. Breuer-Weil hat seine Absichten folgendermaßen erklärt: "Ich war schon immer fasziniert von der Vorstellung, dass wir nicht allein sind, dass ein riesiger Außerirdischer plötzlich auf der Erde landen könnte. Ich wollte das Gefühl der Verwunderung und des Schocks einfangen, das eine solche Ankunft auslösen würde." Alien kann natürlich auch eine ganz andere Assoziation hervorrufen: die Herausforderungen, die man als Außenseiter hat, wenn man hofft, sich in eine neue Kultur und Gesellschaft einzufügen. "Bei diesem Werk wollte ich eine riesige, atmende menschliche Form verwenden, um die tiefen Gefühle auszudrücken, die mit diesen Themen verbunden sind. Und ich brauchte den gewaltigen Maßstab, um die Intensität dieser Gefühle darzustellen." Breuer-Weil hat den Abguss von Alien in einer Auflage von 3 Exemplaren plus 2 Künstlerabzügen genehmigt.

DAVID BREUER-WEIL

konzipiert im Jahr 2012

Bronze mit brauner Patina

Die 1981 in Atlanta geborene und in Brooklyn lebende Shara Hughes wird für ihre unverwechselbare Herangehensweise an die Landschaftsmalerei gefeiert, die historische Einflüsse mit zeitgenössischer Sensibilität verbindet. Ihre jubilierende Farbpalette erinnert an Meister wie Henri Matisse, die sie mit der stilvollen, visuellen Kühnheit von David Hockney wiedergibt, während sie gleichzeitig eine breitere Tradition der Landschaftsmalerei anerkennt, die Einflüsse des Jugendstils, des Fauvismus und des deutschen Expressionismus einschließt. All the Pretty Faces ist eine moderne Synthese aus historischen Kunstbewegungen und aktueller digitaler Bildsprache, die dem Betrachter fesselnde, erfundene Welten präsentiert, die eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlagen. Es spricht auch eines der markantesten Zitate von Hughes über ihre innovativen Landschaften voller fantastischer Elemente an: "Ich habe mir die Blumen und Bäume oft als Figuren vorgestellt. Manchmal nimmt sogar eine Welle oder eine Sonne auf dem Bild eine Persönlichkeit an, das hängt also davon ab, wie das Werk ausfällt."

All die hübschen Gesichter

Öl auf Leinwand

Katharine Grosse's Untitled von 2016 erweitert unsere Wertschätzung für eine Künstlerin, die dieselbe Energie, Kühnheit und Missachtung von Konventionen wie in ihren monumentalen architektonischen Installationen auf das traditionelle Medium der Farbe auf Leinwand überträgt. Die Farbe explodiert auf einer komplexen, reich geschichteten Oberfläche aus gegossenen Farbaufträgen, die verlaufen, nieseln oder spritzen, aus leuchtenden, transparenten Schleiern und sich überlagernden Farbbändern, die zu weichen Farbübergängen vernebelt werden. Das Ergebnis ist ein faszinierender Eindruck von räumlicher Tiefe und Dreidimensionalität. Es ist aber auch eine Meisterleistung, die Grosse's Brillanz in der Verbindung von Chaos und Kontrolle, Spontaneität und Absicht offenbart. Ihre Palette an Techniken schafft einen fesselnden Dialog zwischen dem Zufälligen und dem Geplanten, ein Markenzeichen ihres einzigartigen Stils.

KATHARINA GROSSE

118 x 78 3/4 Zoll.

Acryl auf Leinwand

Genieve Figgis ist eine bemerkenswerte Figur in der zeitgenössischen irischen Kunstszene. Sie ist bekannt für ihre klugen und kritischen Gruppenporträts, die sich oft über längst vergangene gesellschaftliche Konventionen lustig machen. Als relative Späteinsteigerin in die Malerei erregte sie über Twitter die Aufmerksamkeit des amerikanischen Appropriation-Künstlers Richard Prince, der daraufhin eines ihrer Werke erwarb und sie in die einflussreichen Kreise der New Yorker Kunstszene einführte. Figgis' Werk kritisiert spielerisch die Konsumgewohnheiten der wohlhabenden Mittelschicht und den luxuriösen Lebensstil, wie er von Künstlern der Vergangenheit verewigt wurde, und holt diese Themen mit einer Mischung aus Satire und rohen, authentischen Darstellungen des Lebens in die Gegenwart. Figgis schlägt eine Brücke zu Daumier oder Hogarth, deren Werke häufig einen satirischen Blick auf die zeitgenössische Gesellschaft werfen, und schließt sich Künstlern an, die sich der Gesellschaftssatire verschrieben haben und für ihre scharfe Beobachtungsgabe bekannt sind.

31 1/2 x 39 3/8 Zoll.

Acryl auf Leinwand

HERB ALPERT - Pfeilspitze - Bronze - 201 x 48 x 48 x 48 in.

201 x 48 x 48 x 48 Zoll.

Von Herb Alberts vielen in Bronze gegossenen, seidig-schwarz patinierten Geistertotems haben nur wenige eine so ausgeprägt männliche Ausstrahlung wie Warrior. Der Titel "Warrior" ist eine treffende Beschreibung, die unter anderem die Attribute Stärke, Mut und unzerbrechlicher Geist anspricht, und wird von einer absteigenden, gezackten Krone gekrönt, die sich ebenso gut auf den Kamm eines Raubvogels wie auf den Kopfschmuck eines Häuptlings der Prärieindianer beziehen könnte. Ähnlich wie bei den Arbeiten von Henry Moore hängen diese Assoziationen zum Teil vom Negativraum ab, um den dynamischen und starken Eindruck zu erzeugen, den diese beeindruckende Skulptur vermittelt.

161 x 40 x 40 x 40 in.

Roger Brown ist bekannt für seine persönliche und oft fantastische Bildsprache und seine stark stilisierten Gemälde mit Figuren und Objekten, die sein Interesse an alltäglichen Erfahrungen widerspiegeln. Acid Rain erforscht Themen des modernen Lebens und soziale Kommentare, die die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft und das Potenzial der Kunst, Veränderungen zu bewirken, widerspiegeln. Auf einer persönlicheren Ebene kann das Thema des sauren Regens zersetzende emotionale oder psychologische Zustände symbolisieren, wie Depression, Angst oder das Gefühl, von Umständen überwältigt zu werden, die sich der eigenen Kontrolle entziehen. So wie der saure Regen ein weitgehend unsichtbares, aber verheerendes Umweltproblem darstellte, motivierte die Krise der aufkommenden HIV/AIDS-Epidemie Brown wahrscheinlich dazu, das Werk zu schaffen, um persönlichen Kummer zu verarbeiten, die unzureichende Reaktion der politischen Führung zu kritisieren und für Mitgefühl, Verständnis und medizinische Forschung einzutreten.

48 x 72 x 2 Zoll.

Öl auf Leinwand

WILLEM DE KOONING - Frau in einem Ruderboot - Öl auf Papier auf Masonit gelegt - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Frau in einem Ruderboot

47 1/2 x 36 1/4 Zoll.

Öl auf Papier, aufgelegt auf Masonit

MARK ROTHKO - Ohne Titel (Braun und Schwarz) - Acryl auf Papier auf Karton montiert - 33 1/4 x 25 3/4 Zoll.

Ohne Titel (Braun und Schwarz)

33 1/4 x 25 3/4 Zoll.

Acryl auf Papier auf Karton montiert

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDER KALANDER

Vorspiel zum Menschenfresser

59 x 42 x 18 Zoll.

Bleche, Draht, Farbe

TOM WESSELMANN - Smoker No. 21 - Öl auf geformter Leinwand - 74 1/2 x 67 1/2 Zoll.

74 1/2 x 67 1/2 Zoll.

Öl auf geformter Leinwand

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDER KALANDER

28 3/4 x 36 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

Abstraktes Bild 758-2

24 1/2 x 32 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

Schlafzimmer Brust

80 x 76 x 10 Zoll.

Öl auf ausgeschnittenem Aluminium

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Schlafzimmer brünett mit Schwertlilien

105 3/4 x 164 5/8 Zoll.

Öl auf ausgeschnittenem Aluminium

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

Der Schlagzeuger

Öl auf Leinwand

AMOR (Rot-Gelb)

96 x 96 x 48 Zoll.

polychromes Aluminium

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Ohne Titel (Anatomie der Taube) - Öl, Graphit und Kreide auf Papier - 22 x 30 Zoll.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Ohne Titel (Taubenanatomie)

Öl, Graphit und Kreide auf Papier

In "Nude Descending a Staircase No. 2" verbindet Mel Ramos spielerisch das Erbe von Marcel Duchamps modernistischem Meisterwerk mit der lebendigen Ästhetik der Pop Art und schafft so eine clevere und visuell anregende Neuinterpretation. Indem er Duchamps abstrakte Bewegung mit seinem charakteristischen Pin-up-Stil verbindet, schafft Ramos einen dynamischen Dialog zwischen den verehrten Traditionen der bildenden Kunst und den kühnen, grafischen Qualitäten der kommerziellen Bilderwelt. Dieses Werk ist ein Beispiel für Ramos' Fähigkeit, sich in der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kultur zurechtzufinden, indem er die Anziehungskraft der weiblichen Nacktheit nutzt, um die gesellschaftliche Besessenheit von Schönheit, Begehren und Kommerzialisierung zu erkunden und zu persiflieren. Auf diese Weise wird Ramos' Werk zu einer Quintessenz der Pop Art, die in ihrer spielerischen Assoziation mit Duchamp schwelgt und gleichzeitig die visuelle Kultur ihrer Zeit kritisiert und feiert.

Akt, der eine Treppe hinabsteigt Nr. 2

70 x 52 1/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Ohne Titel (Totempfahl)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 x 12 3/8 Zoll.

Öl auf Leinwand über Kartonzylinder gespannt

ANDY WARHOL - Superman (II.260) - Siebdruck - 38 x 38 Zoll.

Supermann (II.260)

ANDY WARHOL - Mickey (II.265) - Siebdruck mit Diamantstaub - 38 x 38 in.

Mickey (II.265)

Siebdruck mit Diamantstaub

HANS HOFMANN - Ohne Titel - Öl auf Leinwand - 25 x 30 1/4 Zoll.

25 x 30 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Jim Dine war ein amerikanischer Pop-Künstler, dessen Arbeit über Objekte mit kindlichem Appell meditierte, um eine universelle und nostalgische Sprache zu finden. Dine's Roben gehören zu den bekanntesten Bildern, die aus seiner langen und illustren Karriere entstanden sind. Sie wurden erstmals im Herbst 1964 in der Galerie Sidney Janis gezeigt - dies ist ein solches Beispiel. Double Silver Point Robes ist eine groß angelegte Mixed-Media-Assemblage. Die Arbeit ist in Silverpoint ausgeführt - eine Technik, bei der ein Silberstück als Zeicheninstrument auf einem speziell vorbereiteten Boden steht, auf dem es über einen Zeitraum von Monaten zu einem warmen Braunton oxidiert. Die beiden miteinander verbundenen Leinwände bestehen aus Holzblöcken anstelle der Stelle, an der sich die Köpfe befinden sollen, und einem hängenden Holzelement, das sich als Reaktion auf Luftströmungen bewegt.

Doppelte Silberspitzenroben

53 1/2 x 96 in.

Silberstift und Acryl auf 2 verbundenen Leinwänden, Holz, Messer und Schnur im Künstlerrahmen

DAVID SMITH - Ohne Titel - Öl auf Leinwand - 12 x 15 3/4 Zoll.

12 x 15 3/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

DAVID SMITH - Ohne Titel - Öl auf Leinwand - 12 x 16 Zoll.

Öl auf Leinwand

Ansel Adams, der für seine rigorose Arbeit in der Dunkelkammer bekannt ist, schuf 1.300 Abzüge von Moonrise, Hernandez über 40 Jahre lang abwedelnd und brennend, und schuf damit eine Reihe von Meisterwerken. Der Mondaufgang ist eine beeindruckende Komposition, deren eindringlich schöne Wirkung uns in Atem hält. Wir müssen nicht wissen, wie verzweifelt Ansel sein Stativ aufstellte, wie er seinen Belichtungsmesser fand, um diese Vergänglichkeit zu erfassen, oder über den Kismet nachdenken, der diesen Moment einfing. Auf diesem Abzug von 1959 sind alle herrlichen Details zu sehen: der fast, aber nicht ganz volle Mond mit seinen erkennbaren Merkmalen und der Friedhof mit seinen leuchtenden Markierungen und den stark beleuchteten weißen Kreuzen, die im schwindenden Moment des unvermeidlichen Rückzugs des Tageslichts eingefangen wurden.

Mondaufgang, Hernandez, New Mexico

1941, gedruckt ca. 1959

10 3/8 x 13 3/8 Zoll.

Silbergelatine Druck

Diebenkorns Ocean Park-Serie erinnert an die delikate Balance von Licht und Farbe, die durchdachte Komposition und die subtile Integration von Landschaftselementen, die alle das Küstenambiente seines Ateliers in Santa Monica simulieren. In den frühen 1990er Jahren griff Diebenkorn die Themen und das ästhetische Empfinden der Ocean Park-Serie wieder auf, indem er verschiedene Drucktechniken einsetzte, um seine Erkundung der abstrakten Sprache, die er in seinen Gemälden entwickelt hatte, zu erweitern. High Green, Version I veranschaulicht dieses Bestreben, indem es die kompositorischen Strategien, die Farbpalette und die räumlichen Aspekte der Ocean Park-Serie aufgreift und gleichzeitig die einzigartigen Möglichkeiten der Druckgrafik zur Neuinterpretation dieser Elemente aufzeigt.

RICHARD DIEBENKORN

Hochgrün, Version I

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

29 1/2 x 43 1/4 Zoll.

Gouache und Tusche auf Papier

Frank Stellas Bali-Skulpturenserie zeichnet sich durch schwebende und fließende Formen aus, die sich in den Raum des Betrachters erstrecken und zur Interaktion zwischen dem Objekt und seiner Umgebung einladen. Der "Dadap", eine Baumart, die in der balinesischen Kultur mit Wachstum und ritueller Bedeutung assoziiert wird, spiegelt die organische und dynamische Natur von Stellas Skulpturen wider. Mit dem Wechsel von Bambus zu Edelstahl und Aluminium hat Stella das Wesen der balinesischen Ästhetik bewahrt, die organische, fließende Formen preist, die sich dynamisch mit ihrem Raum verbinden. Dadap stellt eine Kontinuität in Stellas thematischer Erkundung dar, bei der der Geist seiner Arbeit über die Materialität hinausgeht. Metall bietet eine andere Textur, ein anderes Reflexionsvermögen und eine andere Interaktion mit Licht und Raum, hält aber dennoch an den Prinzipien von Bewegung und Interaktivität fest. Es handelt sich um eine kreative Übertragung von Form und Konzept über verschiedene Medien hinweg, wobei der Geist der ursprünglichen Inspiration beibehalten wird, während die Eigenschaften des neuen Materials diese Ideen in einem neuen Kontext zum Ausdruck bringen können.

66 1/2 x 50 1/4 x 19 Zoll.

Edelstahl und Aluminium

Roland Petersens Lunch ist ein Öl auf Leinwand aus dem Jahr 1961, einem kritischen Jahr für seine bekannteste Picnic-Serie. Sein Werk aus dieser Zeit ist geprägt von dickem Impasto und satter Farbe. Petersen wurde stark von Studien bei Hans Hoffman beeinflusst und experimentierte mit der Abstraktion, wobei er abstrakte und figurative Stile miteinander verband. Das Luncheon, das im Alter von 35 Jahren entstanden ist, liegt in einem Zeitrahmen, der seine ausverkaufte Einzelausstellung 1962 in der Staempfli Gallery, New York, seine Einzelausstellung in Esther-Robles, Los Angeles, und das Guggenheim-Stipendium, das die Möglichkeit zum Studium in Paris bot, umfasst.

ROLAND PETERSEN

Öl auf Leinwand

Bemerkenswerte Ausstellungen

November 8, 2018 - Februar 28, 2019New York, NY

KOONING X KOONING X KOONING

November 8, 2018 - Februar 28, 2019 New York, NY

26. August 2020 - 28. Februar 2021Jackson Hole, WY

WUNDER DER IMPRESSIONISTISCHEN UND MODERNEN KUNST IN AMERIKA UND EUROPA

26. August 2020 - 28. Februar 2021 Jackson Hole, WY

16. März 2020 - 28. Februar 2021Palm Desert, CA

DIE GLORIA LURIA KOLLEKTION

16. März 2020 - 28. Februar 2021 Palm Desert, CA

25. März 2020 - 28. Februar 2021New York, NY

ALEXANDER CALDER: KÜHNE GOUACHEN

25. März 2020 - 28. Februar 2021 New York, NY

Ausgewählte Künstler, die wir 2020 bei Sammlern platziert haben

Claude Monet

Alexander Calder

Edward Hopper

Helen Frankenthaler

Camille Pissarro

Tracey Emin

Fernand Leger

Pablo Picasso

David Hockney

Andrew Wyeth

Grace Hartigan

Salvador Dali

Anish Kapoor

George Condo

Jean Arp

Vincent van Gogh

Andy Warhol

Robert Motherwell

Marc Chagall

Deborah Butterfield

Pat Steir

Raoul Dufy

Georgia O'Keeffe

Ed Ruscha

Elaine de Kooning

Mark Bradford

Ansel Adams

Norman Rockwell

Ai Weiwei

Carlos Cruz-Diez

CLAUDE MONET
SALVADOR DALI
ALEXANDER KALANDER

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HJ Art Advisory bietet eine komplette Logistik für die Handhabung, den Transport und die Überwachung der Kunstwerke unserer Kunden. Unsere Beaufsichtigung umfasst jeden Aspekt der Betreuung des Kunstwerks. Wir beaufsichtigen jeden Schritt des Prozesses beim Transport, der Installation und der Lagerung von Kunstwerken. Wir beraten und unterstützen bei der Gestaltung von Rahmen, Beleuchtung, Sicherheitsanforderungen, Konservierung und Zustandsbewertung.

Dokumentation

Beim Kauf von Kunstwerken recherchiert HJ Art Advisory die Herkunft des Kunstwerks und holt Zusicherungen und Garantien des Verkäufers ein, dass der Verkäufer über gültige Eigentumsrechte verfügt und dass das Objekt frei von Pfandrechten, Ansprüchen und Belastungen ist.
HJ Art Advisory wird eine Entschädigung für die volle Rückerstattung des Kunstwerkes im Falle einer Verletzung der Garantie verlangen (möglicherweise mit dieser Zeile???).
Private Verkäufe und Auktionsverfahren: Zu den wichtigen Informationen, die erfasst werden müssen, gehören: Künstler, Titel des Kunstwerks, Datum, Medium, Abmessungen, Preis, Bild, Anbieter, Provenienz, Zertifikate, Rechnung (wenn möglich), Zustandsbericht, Pfandrechte, Rechtsstreitigkeiten, Eigentumstitel.

Museum Leihgaben

Heather James hatte die Ehre, Leihgaben an führende Museen in der ganzen Welt zu vermitteln, darunter das MoMA, das Centre Pompidou und andere. HJ Art Advisory kümmert sich um den gesamten notwendigen Papierkram und die Logistik für unsere Sammler, die sich entschließen, ein Kunstwerk für eine Museumsausstellung zu leihen.

Authentifizierung

HJ Art Advisory hält die höchsten Standards der Sorgfaltspflicht ein, indem es vor dem Erwerb von Objekten Nachforschungen anstellt und deren Herkunft prüft, um sicherzustellen, dass ein klares Eigentumsrecht erworben werden kann. Solche Nachforschungen beinhalten, sind aber nicht beschränkt auf, die Bestimmung:

Eigentumsgeschichte des Objekts
Länder, in denen das Objekt gefunden wurde und wann.
Ausstellungsgeschichte des Objekts
Geschichte der Veröffentlichung des Objekts
Etwaige Eigentumsansprüche, falls sie geltend gemacht wurden
Datenbanken mit gestohlenen Gegenständen, die für das Objekt relevant sind
Die Umstände, unter denen der Gegenstand angeboten wird
Einschlägige Forschungsquellen, einschließlich: Das ArtLoss Register oder andere Datenbanken.
Garantie- und Entschädigungserklärungen des Verkäufers, die sicherstellen, dass der Verkäufer über gültige Eigentumsrechte verfügt und das Objekt frei von Pfandrechten, Forderungen und Belastungen ist
Forschung und Dokumentation zur Zeit des Nationalsozialismus und des Zweiten Weltkriegs gemäß den Leitlinien für den Erwerb von Objekten, die sich wahrscheinlich zwischen 1933 und 1945 im von den Deutschen besetzten Europa befunden haben

Finanzen

HJ Art Advisory unterstützt Kunden bei Asset-Backed-Lending, dem Erwerb von Kunst für Trusts und der Nachlassplanung. Wir bieten unser Fachwissen über den Kunstmarkt an, um unsere Kunden bei der Entscheidungsfindung für ihre Sammlung bestmöglich zu unterstützen. Wir arbeiten mit Nachlässen, Rechtsteams und Finanzberatern zusammen, um unsere Kunden und ihre Ziele bestmöglich zu unterstützen.
Heather James Fine Art ist kein eingetragener Anlage-, Rechts- oder Steuerberater. Alle von Heather James Fine Art geäußerten Anlage- und Finanzmeinungen sind Meinungen, die auf persönlichen Recherchen beruhen. Die Wertentwicklung in der Vergangenheit ist weder eine Garantie für zukünftige Erträge noch ist sie notwendigerweise ein Indikator für die zukünftige Wertentwicklung.

Verkäufe und Akquisitionen

HJ Art Advisory konzentriert sich auf die Beschaffung von Kunstwerken für potenzielle Ankäufe aus Privatverkäufen, Auktionshäusern und Künstleraufträgen. HJ Art Advisory beobachtet kontinuierlich den privaten und öffentlichen Markt auf der Suche nach bedeutenden Kunstwerken, die den Interessen unserer Kunden entsprechen und ihre Sammlungen bereichern. Wir verhandeln im Auftrag eines Sammlers den Verkaufs- oder Verkaufspreis, um für unsere Kunden das bestmögliche Geschäft zu erzielen.

Wert & Versicherung

Die HJ Art Advisory Group bewertet und schätzt Kunstsammlungen im Hinblick auf die Bewertung durch Versicherungen, den Erwerb und die Deakzession. Dazu gehört eine eingehende Untersuchung des privaten und öffentlichen Kunstmarktes, um den Wert zu ermitteln.

Kennerschaft

HJ Art Advisory arbeitet mit und im Namen von Kunden, die neue Sammlungen aufbauen oder über gut etablierte Sammlungen verfügen, und bietet Beratung und ein umfassendes Dienstleistungsangebot. Unser umfangreiches Wissen und unsere langjährige Erfahrung im Kunstgeschäft versetzen unsere hochqualifizierten und erfahrenen Mitarbeiter in die Lage, Beratung und Orientierung auf mehreren Ebenen zu bieten.

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