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コットンウッドの木（アビキウ近郊）、ニューメキシコ州（1943年）は、著名なアメリカ人画家ジョージア・オキーフの作品であり、砂漠が彼女に与えたより軽やかで自然主義的な画風の好例である。オキーフは南西部の独特の美しさに深い親和感を抱き、細長い木々、劇的な眺望、そして彼女が頻繁に描いた漂白された動物の頭蓋骨に囲まれたこの地に居を構えた。 オキーフはニューメキシコ州北部のアビキウ村から12マイル離れた観光牧場ゴースト・ランチに居を構え、このポプラをその周辺で描いた。この主題にふさわしい柔らかな作風は、彼女の大胆な建築的風景画や宝石のような色彩の花々とは一線を画す。ポプラは柔らかな緑の斑点へと抽象化され、その隙間からより輪郭の明確な枝が浮かび上がり、青空のポケットを背景に空間の中で螺旋を描いている。 幹の造形と葉の繊細なエネルギーは、数年前に彼女を魅了した北東部の地域樹木——カエデ、クリ、ヒノキ、ポプラなど——への過去の探求を引き継いでいる。1924年の劇的な2点『秋の樹木』『カエデ』『灰色のクリ』は、それぞれ抒情的かつ断固たる中心性の初期の例である。 これらの初期樹木画に見られるように、オキーフは色彩と形態で対象の感性を誇張した。1974年の著書で彼女はこう説明している。「言葉の意味は——私にとって——色彩の意味ほど正確ではない。色彩と形は言葉よりも明確な主張をする」 彼女の厳密で表現豊かな色彩は人々を魅了した。精密主義画家チャールズ・デマスは、オキーフの作品において「各色が、最初の虹を形成した際に内包していたであろう楽しさをほぼ取り戻している」と評している（C.エルドリッジ著『ジョージア・オキーフ』ニューヨーク、1991年、33頁より引用）。 さらに、形態間の調和が彼女の作品群を結びつける。丘や花弁といった主題は同様にうねるように描かれ、一方、角や樹木、支流は分岐形態において呼応する。オキーフ特有の筋張った輪郭とグラデーションは、数十年にわたる樹木画において驚くべき多様性を示している。 ニューメキシコでは、オキーフは何度もポプラのモチーフに戻り、この砂漠の樹木の季節性が多くの形態を生み出した。新緑の春の興奮は『春の樹 No.1』（1945年）のような螺旋状の構図に注ぎ込まれた。そして鮮やかな秋の黄色に染まったポプラは、ペデルナル山の青い背景に見事な彩りを添えた。 『枯れたポプラの木』（1943年）の硬化した曲線は、劇的な明暗の池を内包し、この絵画『ポプラの木（アビキウ近郊）』の温かく息づく質感との対比を際立たせる。羽毛のようなポプラの音響的性質は、オキーフの色彩形態の使い方に導かれた感覚を喚起する。

ジョージア・オキーフ

JOAN MIRO - Tête de femme (déesse) - ブロンズ、ブラックパティナ - 66 x 36 1/2 x 30 in.

ジョアン・ミロ

イル・ド・フランスとブルゴーニュの間に位置し、フォンテーヌブローの森の縁辺に、12世紀に築かれた中世の村モレ＝シュル＝ロワンが佇む。 アルフレッド・シスレーが1881年8月31日付のモネ宛ての手紙で、この村の風情を「チョコレート箱のような風景…」と表現したのは、誘惑の記憶としてそう言ったのである。つまり、川沿いに佇む城塞、城壁、教会、要塞化された門、そして装飾的なファサードは、画家にとって比類なき魅力の舞台だったのだ。 セーヌ川流域で常に最も印象的な町並みの特徴である古い教会は、コローやヴェトゥイユのモネにとってそうであったように、シスレーの町並み風景画にも存在感を示した。 しかしルーアン大聖堂を30点も描いたモネが、聖堂ファサードを横切る光と影の戯れを追跡し、光と大気の瞬間的な変化の儚さを捉えようとしたのとは異なり、シスレーはモレ＝シュル＝ロワンのノートルダム教会の不変性を確認しようとした。モネの関心は空気と光のみにあったが、シスレーの作品は追悼の記念品のように見える。 この絵画は、中世の時代に築かれ、今も変わらず、そして永遠にそこに立ち続けるであろう、堅固で揺るぎない建造物の設計者や建設者たちへの敬意に満ちている。それにもかかわらず、シスレーは一連の大気の変化を通じて、モチーフの移ろいゆく姿を表現しようと努めた。 彼は作品に「陽光の中で」「霜の下で」「雨の中で」といった題名をつけ、1894年のシャン・ド・マルス・サロンで一連の作品として展示した。これは彼がそれらを連続した解釈として考えていたことを示唆している。 しかしモネの作品とは異なり、『モレの教会、夕暮れ』は、シスレーが構図的特徴を強調する空間的文脈の中でモチーフを提示することを選んだことを明らかにしている。左側の狭い通りの急勾配の遠近法、右側とのバランスを取るための建物の強い斜めの遠近法、そして視線より上にある石造りの建物の重厚な存在感である。

アルフレッド・シスレー

1870年代初頭、ウィンスロー・ホーマーは、ニューヨーク州のハドソン川とキャッツキル山脈の間に位置する、小麦の栽培が盛んな小さな集落での田舎暮らしの風景を頻繁に描いていました。ハーリーといえば、1872年の夏に描かれたホーマーの代表作『鞭打ちのスナップ』のインスピレーション源として知られる。この地域からインスピレーションを得た他の多くの絵画の中でも、「麦畑に立つ少女」は情感に富んでいるが、過度に感傷的になることはない。この作品は、1866年にフランスで描いた習作「麦畑で」と、アメリカに戻った翌年に描いた別の作品に直接関連している。しかし、ホーマーが最も誇りに思ったのは間違いなくこの作品であろう。肖像画であり、衣装の習作であり、ヨーロッパの牧歌的な絵画の偉大な伝統に則った風俗画であり、ドラマチックな逆光と雰囲気のある力作で、すぐに消えてしまう宵闇の時間に、花の香りと麦の穂のタッチで浮き立たせた。1874年、ホーマーはナショナル・アカデミー・オブ・デザイン展に4点の絵画を出品した。そのうちの1枚に「少女」というタイトルがつけられていた。それはこの作品ではないだろうか？

ウィンスロー・ホーマー

トム・ウェッセルマンはポップアート運動の指導者であった。彼は『グレート・アメリカン・ヌード』シリーズを含む大規模作品で最もよく知られており、そこでは官能的なイメージと日常的な物体が、大胆で鮮やかな色彩で描かれている。制作活動が進むにつれ、ウェッセルマンは伝統的なキャンバス形式を超え、しばしば彫刻的ドローイングとして機能する成形キャンバスやアルミの切り抜き作品を制作し始めた。 スケールを操る試みを継続しつつ、ウェッセルマンはヌードを構成する身体部位に焦点を絞り始めた。「口」シリーズや「寝室」シリーズでは、被写体全体ではなく特定の要素が主題となる。『寝室の乳房』（2004年）はこれらの技法を融合させ、切り抜かれたアルミニウムに鮮烈な色彩を塗布している。 本作は個人収集家の邸宅向けに特別に制作された作品であり、立体的なアルミ切り抜きに油彩を施した「寝室の乳房」という構想は、本作制作以前からウェッセルマンが長年温めてきたものだった。現在の所有者はウェッセルマンのビジョンを信じ、この主題を自宅に迎える構想を深く愛した。本作はウェッセルマンが逝去する直前、あるいは最期に完成させた作品の一つである。 本作品は唯一無二の存在である——この規模で、この象徴性を備えた立体アルミニウム油彩作品は他に存在しない。  

トム・ヴェッセルマン

<div><font face=Lato size=3>Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show,  "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York.    "Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier.    Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.</font></div>

ゲルハルト・リヒター

アイルランド系アメリカ人ショーン・スカリーの特徴的なブロックとストライプの表現は、広範な参照枠組みに支えられている。幾何学が普遍的理解の手段となり得るというマレーヴィチの中核的命題から、色彩への情熱的なアプローチと劇的な崇高の表現に至るロスコの手法まで、スカリーは自然界の壮麗さを色彩・光・構図の簡潔な様式に凝縮する術を学んだ。 1945年ダブリン生まれ、ロンドン育ちのスカリーは、1969年にモロッコを訪れ、彼の指針となったアンリ・マティスの精神を捉えようと決意した時点で、具象的デッサンを十分に学んでいた。彼は眩いばかりのタイル状モザイクと鮮やかな染め布に魅了され、グリッドと色のストライプを描き始めた。 その後の冒険がさらなるインスピレーションをもたらした。マヤ遺跡の反射面やストーンヘンジの古代石板に降り注ぐ強烈な光の戯れが、スカルリーの絵画に光と空間、幾何学的な動きの感覚をもたらしたのである。 スカルリーの絵画全体に旅の影響を辿れることは、抽象芸術が現実体験の試金石としての価値を改めて確認させる。豊かで深い色調と層を成すニュアンス豊かな表面で描かれた『グレイ・レッド』は、詩的でありながら力強い形式主義に満ちている。スカルリーはこれらの根源的な形態を「レンガ」と呼び、建築家の形式的計算を暗示している。 彼が説明したように、「街の戸口や建物の間の窓、かつて生命に満ちていた構造物の痕跡に見出すこれらの関係性を、私は作品に取り入れている。これらの色彩と形態を用い、おそらく何かを想起させるような方法で組み合わせるが、それが何なのかは確信できないだろう」（デイヴィッド・キャリヤー『ショーン・スカリー』2004年、98頁）。 彼のアプローチは有機的で、定型化されていない。直感的な画家の選択は、対照的な色合いや色彩が潜在的なエネルギーで共鳴するよう、色を重ねていくことだ。輝きを追求する姿勢はディーベンコーンを想起させる。 しかし本作『グレイ・レッド』では、テラコッタレッド、グレー、トープ、ブラックの輝きを放つ帯が、深くくすぶるエネルギーと共鳴し、想像を超える感動的な情熱を喚起する。親友ボノが記したように「ショーンはキャンバスにキックボクサーのように、左官のように、建築家のように迫る。その絵画の質は、生きている人生そのものを叫び出している」のだ。

ショーン・スカリー

トム・ウェッセルマンは、エロティックな主題をアメリカ国旗の色と結びつけたことで間違いなく記憶されるだろう。しかしウェッセルマンはデッサン家としても卓越した才能を持ち、線こそが彼の主要な関心事であった。最初は漫画家として、後にマティスの熱烈な崇拝者として。彼がまた、ドローイングをレーザーカット鋼板の壁面レリーフへと転化する手法を開拓したことは、まさに啓示となった。 彼は次第に「描くことそのもの」に集中し始め、新たな媒体が持ち上げられ手に取れることに魅了された。「まるで繊細な線画を紙から取り出せるような感覚だ」。『スチール・ドローイング』は美術界に興奮と混乱をもたらした。1985年にこの画期的な作品の一つを収蔵したホイットニー美術館は、ウェッセルマンに「図録ではドローイングとすべきか、彫刻とすべきか」と問い合わせたほどだ。 この作品は大きな波紋を呼び、エリック・フィッシュルがウェッセルマンのスタジオを訪れ鋼鉄作品を初めて目にした時、嫉妬を感じたと回想している。試してみたいが、敢えて手を出せなかった。明白だったのだ——「トムがこの技法を完全に掌握していた」と。ウェッセルマンがこの技法を確立できたのは、金属加工職人アルフレッド・リッピンコットとの1年にわたる共同作業に負うところが大きかった。 1984年、二人はレーザーによる鋼板切断法を確立。スケッチの即興性を表現するのに必要な精度を実現した。ウェッセルマンは「人生最高の年」と称し、手作業で形を切り出す必要があったアルミニウムでは達成できなかった成果に歓喜した。「鋼鉄でドローイングを取り戻す興奮を予感した。手に取れる。線に沿って持ち上げられる…それは本当に刺激的だった…一種の恍惚状態とも言えるが、とにかく新作には心を掴まれる何かがあった」 線を掴んで持ち上げられる…それは本当に興奮する体験だった…一種の恍惚状態に近いものだった。とにかく、この新作には確かに私を捉える何かがあった」『アイリスを持つ寝室のブルネット』は、鋼鉄ドローイングの傑作である。その圧倒的なスケールにもかかわらず、緊密なクロッピングによって威圧感のない親密さを保ちつつ、自由で即興的な質感を維持している。 人物の伸びた腕や四肢、身体が花弁や室内要素と絡み合い、壁面がもたらす黒線と白の「抜け」形状による流動的な探求の軌跡を描く。マティスや彼の横たわるオダリスク絵画群を想起させる。 ウェッセルマンはしばしば単色調の価値を試し、色彩が彼のハイブリッドなオブジェを新たに発展したスチール・ドローイング作品へと変容させる限界を探求した。本作では、1987年の作品『アイリスを添えたブロンドの寝室』の構図を基に、カラーのスチールカット版を制作。さらに1993年には、紙に木炭とパステルを用いた大規模なドローイングへと発展させている。

トム・ヴェッセルマン

<div><font face=Lato size=3 color=black>Irving Norman conceived and created <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> at a time when he must have reflected deeply on the totality of his life. Given its grand scale and cinematic treatment, it impresses as a profound culmination of his artistic journey, synthesizing decades of themes, insights, and experiences into a single monumental work. A man of great humility and an artist of uncommon skill, he translated a horrendous war experience into impactful allegories of unforgettable, often visceral imagery. He worked in solitude with relentless forbearance in a veritable vacuum without fame or financial security. Looking to the past, acutely aware of present trends, he knew, given the human predicament, he was forecasting the future. As one New York Times reviewer mused in 2008, "In light of current circumstances, Mr. Norman's dystopian vision may strike some…as eerily pertinent," an observation that recalled recent events.<br></font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Irving Norman's figures, manipulated by their environment and physical space, are of a style that exaggerates the malleability of the human form to underscore their vulnerability and subjugation. This literal and symbolic elasticity suggests that these figures are stretched, compressed, or twisted by the forces of their environment, emphasizing their lack of autonomy and the oppressive systems that govern their existence. While these figures reflect vulnerability, Norman's structural choice in <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> creates a stark juxtaposition that shifts attention toward the central tableau. A commanding female figure, rising above the calamitous failures and atrocities of the past, is joined by a man, forming a symbolic "couple,” suggesting the unity and shared responsibility of a new vision. Their hands, magnified and upturned, present these children as a vision offering hope and renewal for the future. The gesture, combined with the futuristic clothing of the diminutive figures, reinforces the idea of an alternative path—a brighter, forward-looking humanity. The central tableau acts as a metaphorical offering, inviting the viewer to consider a future untouched by the weight of darkness from which these figures emerge.<br></font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Here, Norman underscores a hopeful, if not optimistic, vision for generations ahead. The structural decision suggests a deliberate shift in focus: the darker scenes relegated to the sides represent the burdens, past and present. At the same time, the central figures embody the potential for a future shaped by resilience and renewal. This juxtaposition distinguishes <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> as a reflection of Norman's later years, where a tempered hope emerges to claim the high ground over the war-mongering, abject corruption, frantic pleasure-seeking, and the dehumanizing effects of modern society.<br></font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Throughout his long career, Norman stood tall in his convictions; he turned, faced the large, empty canvases, and designed and painted complex, densely populated scenes. As for recognition, he rationalized the situation—fame or fortune risked the unsullied nature of an artist's quest. Ultimately, <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> is a summation of Norman's life and work and a call to action, urging us to examine our complicity in the systems he so vividly depicted. Through meticulous craftsmanship and allegorical intensity, it is a museum-worthy masterwork that continues to resonate, its themes as pertinent today as they were when Norman painstakingly brought his vision to life.</font></div>

アーヴィング・ノーマン

トム・ヴェッセルマン - 1962プラス35ヌードスケッチII - キャンバス上のアルキドオイル - 43 x 58 5/8インチ。

トム・ヴェッセルマン