קטגוריות אמנים 

אמנים

הדפסות & כפולות

ראה את כל האמנים...

קטגוריות

גרפיקה מוצגת

עץ הכותנה (ליד אביקיו), ניו מקסיקו (1943) מאת האמנית האמריקאית המהוללת ג'ורג'יה אוקיף הוא דוגמה ומופת לסגנון האוורירי והטבעי יותר שהמדבר העניק לה השראה. לאוקיף הייתה זיקה רבה ליופי הייחודי של דרום-מערב ארצות הברית, והיא התגוררה שם בין העצים הדקים, הנופים הדרמטיים וגולגולות החיות המולבנות שציירה לעתים כה קרובות. אוקיף התגוררה בחוות הרוחות, חוות גידול צמחים במרחק של שנים עשר מיילים מחוץ לכפר אביקיו בצפון ניו מקסיקו וציירה את עץ הכותנה הזה סביב שם. הסגנון הרך יותר המתאים לנושא זה הוא סטייה מנופי האדריכלות הנועזים שלה ופרחיה בגווני אבני חן. עץ הכותנה מופשט לטלאים רכים של ירוק ירוק שדרכם נראים ענפים מסומנים יותר, מתפתלים בחלל על רקע כיסים של שמיים כחולים. עיצוב הגזע והאנרגיה העדינה בעלים מקדמים ניסויים קודמים עם עצי האזור של צפון-מזרח ארצות הברית שכבשו את אוקיף שנים קודם לכן: עצי מייפל, ערמונים, ארזים וצפצפות, בין היתר. שני קנבסים דרמטיים משנת 1924, עצי סתיו, אדר ואפור ערמון, הם דוגמאות מוקדמות למרכזיות לירית ונחרצת, בהתאמה. כפי שניתן לראות בציורי עצים מוקדמים אלה, אוקיף הגזימה ברגישות של נושאה באמצעות צבע וצורה. בספרה משנת 1974, אוקיף הסבירה: "משמעותה של מילה - מבחינתי - אינה מדויקת כמו משמעותה של צבע. צבע וצורות יוצרים אמירה מוגדרת יותר ממילים." צבעה המדויק והאקספרסיבי עורר את סקרנותה. הצייר הדיוקני צ'ארלס דמות' תיאר כיצד, בעבודתה של אוקיף, "כל צבע כמעט חוזר להנאתו של עצמו בעת יצירת הקשת הראשונה" (כפי שצוטט אצל סי. אלדרידג', ג'ורג'יה אוקיף, ניו יורק, 1991, עמ' 33). כמו כן, התאמות בין צורות איחדו את יצירתה. נושאים כמו גבעות ועלי כותרת מתפתלים באופן גלי, בעוד שקרניים, עצים ויובלים תואמים במורפולוגיה המסועפת שלהם. קווי המתאר הגידיים והגוונים המדורגים האופייניים לאוקיף מוצאים טווח מדהים לאורך עשרות שנים של ציורי העצים שלה. בניו מקסיקו, אוקיף חזרה למוטיב עץ הצפצפה פעמים רבות, והעונתיות של עץ מדברי זה עוררה השראה לצורות רבות. הריגוש האביבי של צמיחה חדשה תועל לקומפוזיציות ספירליות כמו עץ ​​האביב מס' 1 (1945). לאחר מכן, עצי עץ הצפצפה הפכו לצהוב סתווי עז וסיפקו מחמאה עוצרת נשימה לרקע הכחול של הר פדרנל. העקומות המאובנות של עץ צפצפה מת (1943) מכילות בריכות דרמטיות של אור וחושך, המספקות סככה לאיכות החמה והנושמת של ציור זה, עץ עץ הצפצפה (ליד אביקיו). האיכות הקולית של עץ הצפצפה הנוצות הזה מחייבת תחושה המונחית על ידי השימוש של אוקיף בצורת צבע.

ג'ורג'יה אוקיף

JOAN MIRO - Tête de femme (déesse) - ברונזה עם פטינה שחורה - 66 x 36 1/2 x 30 אינץ '.

ג'ואן מירו

בין איל-דה-פראנס לבורגון, על שפת יער פונטנבלו, שוכן הכפר מימי הביניים מורט-סור-לואן, שהוקם במאה ה-12. כאשר אלפרד סיסלי תיאר את אופיו למונה במכתב מיום 31 באוגוסט 1881 כ"נוף בסגנון שוקולד...", הוא התכוון אליו כמזכרת של פיתוי; שהמבצר, החומות, הכנסייה, השערים המבוצרים והחזיתות המעוטרות השוכנות לאורך הנהר היו, עבור צייר, תפאורה בעלת קסם שאין שני לו. כנסייה עתיקה, שתמיד הייתה מאפיין הנוף העירוני הבולט ביותר לאורך עמק הסיין, הייתה נוכחת בנופי העיר של סיסלי, כפי שהייתה נוכחת עבור קורו, ועבור מונה בווטויל. אבל בניגוד למונה, שצייר שלושים נופי קתדרלת רואן כדי שיוכל לעקוב אחר משחקי האור והצל על פני חזית הקתדרלה וללכוד את האופי החולף של שינויי האור והאווירה מרגע לרגע, סיסלי יצא לאשר את האופי הקבוע של כנסיית נוטרדאם במורה-סור-לואן. דאגתו היחידה של מונה הייתה אוויר ואור, וזו של סיסלי נראית כמזכרת מחווה. הציור משדר כבוד לאדריכלים ולבונים המקוריים של מבנה כה בלתי חדיר ונחוש, הוא עמד אז כפי שעמד בימי הביניים ההם, ועבורנו, עומד היום, כפי שיעמוד, לנצח נצחים. אף על פי כן, סיסלי שאף להראות את המראה המשתנה של המוטיב באמצעות סדרה של שינויים אטמוספריים. הוא נתן לעבודות כותרות כמו "בשמש", "תחת כפור" ו"בגשם" והציג אותן כקבוצה בסלון שאן-דה-מארס בשנת 1894, גורמים המצביעים על כך שהוא ראה בהן פרשנויות סדרתיות. אף על פי כן, בניגוד לעבודתו של מונה, "כנסיית מור", "הסואר" מגלה שסיסלי בחרה להציג את המוטיב בתוך הקשר מרחבי המדגיש את תכונותיו הקומפוזיטיביות - הפרספקטיבה הצוללת של הרחוב הצר משמאל, הנסיעה האלכסונית החזקה של קווי הבניינים כמשקל נגד ימינה, ומשקלו המרשים של בניין האבן מעל קו הראייה.

אלפרד סיסלי

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

טום וסלמן היה מנהיג תנועת הפופ ארט. הוא זכור בעיקר בזכות עבודותיו הגדולות, כולל סדרת "העירום האמריקאי הגדול" שלו, שבה שילב וסלמן דימויים חושניים עם חפצים יומיומיים המתוארים בצבעים נועזים ותוססים. ככל שהתפתח בעבודתו, וסלמן התרחב מעבר לפורמט הקנבס המסורתי והחל ליצור קנבסים מעוצבים וגזרי אלומיניום שלעתים קרובות שימשו כרישומים פיסוליים. בהמשך התעניינותו במשחק עם קנה מידה, וסלמן החל להתמקד יותר בחלקי הגוף המרכיבים את עירומו. הוא יצר את סדרת "הפה" שלו ואת סדרת "חדר השינה" שלו, שבהן אלמנטים מסוימים, ולא כל היושב, הופכים למוקד. "חזה בחדר שינה" (2004) משלבת טכניקות אלו, תוך שימוש בגוונים עזים המצוירים על אלומיניום חתוך. העבודה הייתה הזמנה מיוחדת עבור ביתו של אספן פרטי, והרעיון של חזה חדר שינה בשמן על אלומיניום חתוך תלת-ממדי היה רעיון שוסלמן עבד איתו שנים רבות לפני יצירתה. הבעלים הנוכחי של היצירה האמין בחזונו של וסלמן ואהב את הרעיון להביא את הנושא לביתו. זוהי אחת היצירות, אם לא האחרונה, שוסלמן השלים לפני מותו. היצירה הנוכחית היא היצירה היחידה מסוגה - מעולם לא נוצר שמן על אלומיניום בתלת-ממד בקנה מידה זה או באיקונוגרפיה זו.  

טום ווסלמן

<div><font face=Lato size=3>Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show,  "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York.    "Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier.    Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.</font></div>

גרהרד ריכטר

מסגרת ההתייחסות של הבלוקים והפסים הייחודיים של האירי-אמריקאי שון סקאלי היא רחבה. החל מהנחת היסוד המרכזית של מלביץ' שגיאומטריה יכולה לספק אמצעים להבנה אוניברסלית ועד לגישתו הנלהבת של רותקו לצבע ולעיבוד הנשגב הדרמטי, סקאלי למד כיצד לדחוס את פאר העולם הטבעי לאופני צבע, אור וקומפוזיציה פשוטים. סקאלי, שנולד בדבלין בשנת 1945 וגדל בלונדון, היה מיומן היטב ברישום פיגורטיבי כאשר החליט לחשוף את רוחו של כוכב ליבו, אנרי מאטיס, על ידי ביקור במרוקו בשנת 1969. הוא נשבה בקסמי הפסיפסים המרהיבים והבדים הצבועים בעשירים והחל לצייר רשתות וקטעי צבע. הרפתקאות נוספות סיפקו השראה נוספת כאשר משחק האור העז על המשטחים המחזירי אור של חורבות המאיה ולוחות האבן העתיקים בסטונהנג' הביא את תחושת האור, המרחב והתנועה הגיאומטרית לציוריו של סקאלי. היכולת לעקוב אחר השפעת מסעותיו של סקאלי לאורך ציוריו מאשרת מחדש את ערכה של האמנות המופשטת כאבן בוחן לחוויית החיים האמיתיים. הציור "אפור אדום", המצויר בגוונים עשירים ועמוקים ובמשטחים מרובדים וניואנסים, הוא גם פיוטי וגם מלא בפורמליזם שרירי. סקאלי מתייחס בצורה הולמת לצורות האלמנטריות הללו כ"לבנים", ומרמז על חישובים פורמליים של אדריכל. כפי שהסביר, "את היחסים שאני רואה בפתחי הרחוב, בחלונות בין בניינים ובעקבות של מבנים שהיו פעם מלאי חיים, אני מקבל כעבודתי. אני משתמש בצבעים ובצורות הללו ומחבר אותם יחד בצורה שאולי מזכירה לך משהו, למרות שאתה לא בטוח בכך" (דיוויד קארייר, שון סקאלי, 2004, עמ' 98). גישתו אורגנית, פחות נוסחתית; בחירותיו האינטואיטיביות של הצייר הן שכבות של צבע אחד על גבי אחר כך שגוונים וצבעים מנוגדים רוטטים באנרגיה תת-הכרתית. דיבנקורן עולה בראש במרדף שלו אחר אור קורן. אבל כאן, הפסים הזוהרים של אדום טרקוטה, אפור, חום-צהוב ושחור של אדום אפור מהדהדים באנרגיה עמוקה ולוהטת ומעוררים תשוקה מרגשת הרבה יותר ממה שהייתם חושבים שהיא יכולה להעניק. כפי שכתב חברו הטוב, בונו, "שון ניגש לבד כמו קיקבוקסר, טייח, בנאי. איכות הציור זועקת חיים שחיים."

שון סקאלי

טום וסלמן ייזכר ללא ספק בשל קישור הנושאים האירוטיים שלו לצבעי הדגל האמריקאי. אבל לוסלמן היו כישרונות ניכרים כצייר, והקו היה עיסוקו העיקרי, תחילה כקריקטוריסט ומאוחר יותר כמעריץ נלהב של מאטיס. העובדה שהוא גם פיתח שיטה להפיכת רישומים לתבליטי קיר מפלדה חתוכים בלייזר התגלתה כגילוי. הוא החל להתמקד יותר ויותר ברישום לשם הרישום, מוקסם מכך שניתן להרים ולהחזיק את המדיום החדש: "זה באמת כמו להיות מסוגל להרים רישום קו עדין מהנייר". רישומי הפלדה גרמו להתרגשות ובלבול בעולם האמנות. לאחר שרכש אחת היצירות פורצות הדרך בשנת 1985, מוזיאון ויטני לאמנות אמריקאית כתב לווסלמן ותהה אם יש לקטלג אותה כרישום או כפסל. היצירה עוררה סערה כה רבה עד שכאשר אריק פישל ביקר את וסלמן בסטודיו שלו וראה עבודות בחיתוך פלדה בפעם הראשונה, הוא זכר שחש קנאה. הוא רצה לנסות זאת אך לא העז. היה ברור: "טום היה הבעלים המלאים של הטכניקה". וסלמן חבה חלק ניכר מהטכניקה הזו לשיתוף הפעולה שלו שנמשך שנה עם יצרן המתכת אלפרד ליפינקוט. יחד, בשנת 1984 הם ליטשו שיטה לחיתוך הפלדה בלייזר שסיפקה את הדיוק הדרוש לו כדי להראות את הספונטניות של הסקיצות שלו. וסלמן כינה זאת "השנה הטובה ביותר בחיי", נרגש מהתוצאות שמעולם לא השיג במלואן עם אלומיניום שדרש חיתוך ידני של כל צורה. "ציפיתי כמה מרגש יהיה לי לקבל ציור בחזרה מפלדה. יכולתי להחזיק אותו בידיים שלי. יכולתי להרים אותו לפי הקווים... זה היה כל כך מרגש... סוג של אקסטזה כמעט, בכל מקרה, אבל באמת היה משהו בעבודה החדשה שתפס אותי". ברונטית חדר שינה עם אירוסים היא יצירת מופת של ציור פלדה שלמרות קנה המידה הנדיב שלה, משתמשת בחיתוך צפוף כדי לספק אינטימיות צנועה תוך שמירה על איכות חופשית וספונטנית. זרועותיה, גפיה וגופה המושטים של הדמות שזורים בעלי הכותרת ובאלמנטים הפנימיים ומספקים גיחה חוקרית זורמת של קווים שחורים וצורות לבנות "נושרות" המסופקות על ידי הקיר. זה מזכיר את מאטיס ואת מספר רב מציוריו האודליסקיים השוכבים. וסלמן בדק לעתים קרובות ערכים מונוכרומטיים כדי לגלות באיזו מידה צבע יהפוך את האובייקטים ההיברידיים שלו לעבודות רישום פלדה חדשות שפותחו, ובמקרה זה המשיך עם גרסה צבעונית בחיתוך פלדה של הקומפוזיציה בלונדינית חדר שינה עם אירוסים (1987) ומאוחר יותר, ב-1993 עם רישום בקנה מידה גדול בפחם ובפסטל על נייר.

טום ווסלמן

<div><font face=Lato size=3 color=black>Irving Norman conceived and created <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> at a time when he must have reflected deeply on the totality of his life. Given its grand scale and cinematic treatment, it impresses as a profound culmination of his artistic journey, synthesizing decades of themes, insights, and experiences into a single monumental work. A man of great humility and an artist of uncommon skill, he translated a horrendous war experience into impactful allegories of unforgettable, often visceral imagery. He worked in solitude with relentless forbearance in a veritable vacuum without fame or financial security. Looking to the past, acutely aware of present trends, he knew, given the human predicament, he was forecasting the future. As one New York Times reviewer mused in 2008, "In light of current circumstances, Mr. Norman's dystopian vision may strike some…as eerily pertinent," an observation that recalled recent events.<br></font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Irving Norman's figures, manipulated by their environment and physical space, are of a style that exaggerates the malleability of the human form to underscore their vulnerability and subjugation. This literal and symbolic elasticity suggests that these figures are stretched, compressed, or twisted by the forces of their environment, emphasizing their lack of autonomy and the oppressive systems that govern their existence. While these figures reflect vulnerability, Norman's structural choice in <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> creates a stark juxtaposition that shifts attention toward the central tableau. A commanding female figure, rising above the calamitous failures and atrocities of the past, is joined by a man, forming a symbolic "couple,” suggesting the unity and shared responsibility of a new vision. Their hands, magnified and upturned, present these children as a vision offering hope and renewal for the future. The gesture, combined with the futuristic clothing of the diminutive figures, reinforces the idea of an alternative path—a brighter, forward-looking humanity. The central tableau acts as a metaphorical offering, inviting the viewer to consider a future untouched by the weight of darkness from which these figures emerge.<br></font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Here, Norman underscores a hopeful, if not optimistic, vision for generations ahead. The structural decision suggests a deliberate shift in focus: the darker scenes relegated to the sides represent the burdens, past and present. At the same time, the central figures embody the potential for a future shaped by resilience and renewal. This juxtaposition distinguishes <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> as a reflection of Norman's later years, where a tempered hope emerges to claim the high ground over the war-mongering, abject corruption, frantic pleasure-seeking, and the dehumanizing effects of modern society.<br></font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Throughout his long career, Norman stood tall in his convictions; he turned, faced the large, empty canvases, and designed and painted complex, densely populated scenes. As for recognition, he rationalized the situation—fame or fortune risked the unsullied nature of an artist's quest. Ultimately, <span style='font-style: italic;'>The Human Condition</span> is a summation of Norman's life and work and a call to action, urging us to examine our complicity in the systems he so vividly depicted. Through meticulous craftsmanship and allegorical intensity, it is a museum-worthy masterwork that continues to resonate, its themes as pertinent today as they were when Norman painstakingly brought his vision to life.</font></div>

אירווינג נורמן

טום וסלמן - 1962 ועוד 35 סקיצה עירומה II - שמן אלקיד על בד - 43 x 58 5/8 אינץ'.

טום ווסלמן