Désert de palmier

EXPOSITIONS ŒUVRES D'ART EXPOSÉES ACTUALITES SERVICES

Notre galerie à Palm Desert est située au centre de la région de Palm Springs en Californie, à côté de la zone commerçante et salle à manger populaire d'El Paseo. Notre clientèle apprécie notre sélection d'art d'après-guerre, moderne et contemporain. Le temps magnifique pendant les mois d'hiver attire les visiteurs de partout dans le monde pour voir notre beau désert, et s'arrêter à notre galerie. Le paysage désertique montagneux à l'extérieur offre la toile de fond panoramique parfaite à la fête visuelle qui vous attend à l'intérieur.

45188, avenue Portola
Palm Desert, Californie 92260
(760) 346-8926

Heures d'ouverture :
Du lundi au samedi : 9h00 - 17h00

Expositions

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COURANT

Son et spectacle : Harry Bertoia et George Rickey

1er juin - 30 septembre 2025

COURANT

Hans Hofmann : le père de l'expressionnisme abstrait

3 février - 31 juillet 2025

Rencontre avec la vie : N.C. Wyeth et les fresques de MetLife

18 juillet 2022 - 30 avril 2025

Ansel Adams : Affirmation de la vie

1er décembre 2023 - 25 mars 2025

Alexander Calder : Façonner un univers primaire

23 août 2023 - 25 mars 2025

Hans Hofmann

14 août 2024 - 28 février 2025

L'art à moins de 100 000

25 juillet 2024 - 31 janvier 2025

Georgia O'Keeffe et Ansel Adams : Art moderne, amitié moderne

13 juillet 2023 - 31 janvier 2025

No Other Land : Un siècle de paysages américains

21 septembre 2023 - 31 décembre 2024

Le sang de votre cœur : Intersections de l'art et de la littérature

12 septembre 2022 - 31 décembre 2024

Art de l'Ouest américain : Une collection de premier plan

24 août 2023 - 31 août 2024

Des fleurs pour le printemps, un coup de pied dans la fourmilière

8 mai 2023 - 31 août 2024

Premier cercle : Les cercles dans l'art

14 février 2023 - 31 août 2024

Peintures de Dorothy Hood

18 mars - 19 juillet 2024

Irving Norman : Matière noire

27 novembre 2019 - 30 juin 2024

Picasso : au-delà de la toile

4 octobre 2023 - 30 avril 2024

Papier découpé : Œuvres uniques sur papier

27 avril 2022 - 31 octobre 2023

Une belle époque : l'art américain à l'âge d'or

24 juin 2021 - 31 août 2023

C'était acceptable dans les années 80

27 avril 2021 - 31 août 2023

Plus que de la vie : Dialogues impressionnistes de Monet et au-delà

17 août 2022 - 31 août 2023

Alexander Calder : Un univers de peinture

10 août 2022 - 31 août 2023

Paul Jenkins : Colorer le phénomène

27 décembre 2019 - 31 mars 2023

N.C. Wyeth : Une décennie de peinture

29 septembre 2022 - 31 mars 2023

Norman Zammitt : La progression de la couleur

19 mars 2020 - 28 février 2023

Georgia O'Keeffe et Marsden Hartley : Esprits modernes

1er février 2022 - 28 février 2023

Maîtres figuratifs des Amériques

Du 4 janvier au 12 février 2023

Expressionnisme abstrait : Transcender le radical

12 janvier 2022 - 31 janvier 2023

James Rosenquist : une explosion de puissance

7 juin 2021 - 31 janvier 2023

Ma propre peau : Frida Kahlo et Diego Rivera

Du 16 juin au 31 décembre 2022

Josef Albers : Le cœur de la peinture

12 mai - 30 novembre 2022

Expressionnisme abstrait : Les femmes persistantes

1er novembre 2021 - 31 août 2022

Alexander Calder : Peindre le cosmos

Du 2 mars au 12 août 2022

La matière Mercedes : Une qualité miraculeuse

22 mars 2021 - 30 juin 2022

Moore ! Moore ! Moore ! Henry Moore et la sculpture

3 mars 2021 - 30 avril 2022

Elaine et Willem de Kooning : Peindre dans la lumière

3 août 2021 - 31 janvier 2022

Le modernisme juif - Partie 2 : La figuration de Chagall à Norman

30 avril 2020 - 31 décembre 2021

American Eye : Sélections de la collection Pardee

28 février - 31 décembre 2021

La collection Gloria Luria

16 mars 2020 - 31 octobre 2021

Vincent van Gogh et les grands impressionnistes du Grand Boulevard

Du 2 mars au 10 août 2021

Pop Figures : Mel Ramos et Tom Wesselmann

26 mars 2020 - 30 avril 2021

Les joyaux de l'impressionnisme et de l'art moderne

19 février - 31 octobre 2020

Cool Britannia : Les jeunes artistes britanniques

2 avril - 30 septembre 2020

Les Californiens

1er novembre 2019 - 14 février 2020

Sam Francis: Du crépuscule à l'aube

15 novembre 2018 - 29 avril 2019

N.C. Wyeth: Peintures et illustrations

1er février - 31 mai 2018

Les peintures de Sir Winston Churchill

21 mars - 30 mai 2018

Ferrari et Futuristes : Un regard italien sur la vitesse

21 novembre 2016 - 30 janvier 2017

Alexandre Calder

21 novembre 2015 - 28 mai 2016

Maîtres de l'impressionnisme californien

22 novembre 2014 - 23 mai 2015

Painterly Abstraction : Sphères d'AbEx

25 novembre 2011 - 31 mai 2012

Maîtres de l'impressionnisme et de l'art moderne

Du 20 novembre 2010 au 25 septembre 2011

Picasso

Du 20 novembre 2009 au 25 mai 2010

OEUVRED-ŒUVRE SUR LA VUE

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ELAINE DE KOONING

HIROSHI SENJU

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

ALPERT HERB

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Standing at an impressive 103 inches, this elegantly spare “Sonambient” sculpture by Harry Bertoia allows us to marvel at one of the finest artisans of his generation. This piece, the tallest in the series currently available here at Heather James Fine Art, features a precise arrangement of 36 slender tines in a 6 x 6 grid. This arrangement's uniformity and symmetry are visually captivating and crucial for the sculpture's acoustic properties. The rods, austere and uncapped by finials, have an aged patina with copper undertones, suggesting Bertoia's use of copper or a similar alloy known for its resonant qualities and distinctive coloration. Given the outstanding length of these rods, the attachment method is particularly noteworthy. Bertoia meticulously inserted each rod into individual holes in the base plate using precision drilling and securing techniques such as welding that ensured the rods were firmly anchored and stable, maintaining the structural integrity essential for consistent acoustic performance.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Beyond his uncompromising nature, Bertoia's work draws significant inspiration from natural elements. This sculpture's tall, slender rods evoke images of reeds or tall grasses swaying gently in the wind. This dynamic interaction between the sculpture and its environment mirrors the movement of plants, creating an immersive, naturalistic experience. Yet when activated or moved by air currents, the rods of this monumental work initiate metallic undertones that confirm its materiality without betraying its profound connection to the natural world.</font></div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Integrating technical precision and natural inspiration depends on exacting construction that ensures durability and acoustic consistency, while its kinetic and auditory nature imbues the piece with a sense of vitality. This fusion invites viewers to engage with the sculpture on multiple sensory levels, appreciating its robust craftsmanship and evocative, naturalistic qualities. Bertoia's ability to blend these elements results in a work that is both a technical marvel and a tribute to the beauty of the natural world.</font></div>

BERTOIA HARRY

This painting has remained in the same private collection since its creation. Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015.<br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million. <br><br>A recent museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, in 2018, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

JULIAN SCHNABEL

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - feuille d'aluminium de poids industriel avec laque acrylique et résine de polyester - 20 x 23 x 22 po.

JOHN CHAMBERLAIN (EN)

ROGER BROWN

Andy Warhol est synonyme de l'art américain de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu pour ses portraits iconiques et ses produits de consommation, mêlant culture populaire et beaux-arts, redéfinissant ainsi ce que l'art pouvait être et la manière dont nous l'abordons. Si de nombreuses œuvres de Warhol ne représentent pas des personnes célèbres, ses représentations d'objets inanimés élèvent ses sujets à un niveau de célébrité. Warhol a représenté des chaussures pour la première fois au début de sa carrière, alors qu'il travaillait comme illustrateur de mode. Il est revenu à ce thème dans les années 1980, combinant sa fascination pour le consumérisme et le glamour. Dans son désir constant de fusionner la haute et la basse culture, Warhol a choisi de mettre en avant un objet aussi omniprésent que les chaussures. Le sujet peut dénoter la pauvreté ou la richesse, la fonction ou la mode. Warhol donne un aspect glamour à la pile de chaussures, en les recouvrant d'une patine de poussière de diamant brillante, brouillant encore plus le sens entre besoin utilitaire et pièce de style.

ANDY WARHOL (EN)

PAUL JENKINS - Phénomènes par retour - acrylique sur toile - 104 3/4 x 49 5/8 in.

PAUL JENKINS (EN)

Fille du sculpteur minimaliste Tony Smith, l'art de Kiki ne se limite pas à un seul médium ou à une seule technique, et son travail invite souvent à de multiples interprétations. Club incarne la forme et les dimensions d'une jambe humaine, élément essentiel du mouvement et de la stabilité. Le titre de Smith invite le spectateur à réimaginer une jambe comme une arme et à réfléchir à la fragilité de la condition humaine, à la dynamique de pouvoir de l'autonomie corporelle et à l'interaction complexe entre la force et la vulnérabilité. Cette transformation d'une partie du corps en objet véhicule à la fois la protection et l'agression et réfléchit à la manière dont les corps sexués naviguent dans notre environnement social et personnel. Club illustre la capacité de Smith à créer des œuvres riches en symboles, ouvertes à l'interprétation, et à susciter une réflexion sur l'expérience humaine.

KIKI SMITH

"A Dream Within a Dream" est une importante série de peintures et de sérigraphies de Ryan McGinnes qui tire son nom d'un célèbre poème d'Edgar Allan Poe. Explorant les thèmes de la perception, de la réalité et du subconscient, McGinnes incorpore une variété de symboles et de motifs, notamment des formes géométriques, des éléments botaniques et des motifs figuratifs, qu'il organise en motifs complexes qui semblent se déplacer et se transformer sous les yeux du spectateur. Le titre suggère un sentiment d'ambiguïté et d'incertitude, reflétant la nature insaisissable de la réalité et la qualité de fuite de l'expérience humaine. En abordant les thèmes de la perception et de l'illusion, McGinnes encourage les spectateurs à remettre en question leurs hypothèses sur le monde et à envisager la possibilité que la réalité soit plus fluide et subjective qu'il n'y paraît.

RYAN MCGINNESS

Deborah Butterfield est une sculptrice américaine, surtout connue pour ses sculptures de chevaux faites d'objets en bois, en métal et autres objets trouvés. La pièce de 1981, Untitled (Cheval), est composée de bâtons et de papier sur armature métallique. L'échelle impressionnante de cette pièce crée un effet remarquable en personne, présentant un exemple frappant du célèbre sujet de Butterfield. À l'origine, Butterfield a créé les chevaux à partir du bois et d'autres matériaux trouvés sur sa propriété à Bozeman, au Montana, et a vu les chevaux comme un autoportrait métaphorique, exploitant la résonance émotionnelle de ces formes.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

PAUL KLEE

Manuel Neri était une figure centrale du Bay Area Figurative Movement dans les années 1960. Au lieu de formes abstraites, le groupe mettait l'accent sur l'émotion à travers la puissance de la forme humaine. La présente œuvre, "Sans titre" (1982), explore la forme féminine à l'échelle réelle. Tout au long de ses 60 ans de carrière, Neri a préféré travailler avec un seul modèle, Maria Julia Klimenko. L'absence de visage dans de nombreuses sculptures ajoute un élément de mystère et d'ambiguïté. Dans "Sans titre", la composition est axée sur la structure et la forme de la figure. Manuel Neri est représenté dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, notamment à la Addison Gallery/Phillips Academy, à la Anderson Collection de l'université de Stanford, à l'Art Institute of Chicago, au Cantor Arts Center de l'université de Stanford, au Cincinnati Art Museum, au Crocker Art Museum de Sacramento, en Californie, au Denver Art Museum, au El Paso Museum of Art, au Texas, aux Fine Arts Museums de San Francisco, aux Harvard University Art Museums, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D. C., au Honolulu Museum of Art, à l'Université de Californie du Sud, à l'Université de Californie du Sud et à l'Université de Californie du Sud.C. ; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York et la National Gallery of Art, Washington, DC.

NERI MANUEL

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINOIS

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing used the three glaze-colors were ochre or brown, green and clear. Glazed wares were much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>This Sancai-Glazed Horse would have been an incredible status symbol for its owner and many have been lost to time. This sculpture is comparable to examples held in museum collections worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York.

CHINOIS

WALEAD BESHTY

<div><font face=Lato size=3 color=black>In Harry Bertoia's oeuvre, "<em>Willow</em>" stands apart as an extraordinary synthesis of natural inspiration and innovative metalwork. Its cascading strands of stainless-steel capture the weeping elegance of a willow tree's drooping branches while introducing a dynamic, interactive quality through its shimmering surface and subtle responsiveness to movement. The strands—whether referred to as "tinsels," "filaments," or "tendrils"—reflect the delicacy of natural forms, blending artistry with technical mastery.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Bertoia, a visionary sculptor with an unparalleled ability to transform industrial materials into organic beauty, likely employed meticulous processes to create "<em>Willow,</em>" cutting thin sheets of stainless steel into fine strips and expertly attaching them to a central core, positioning each strand to flow like water or sway like leaves in the breeze. The tactile quality of the strands, which respond to air currents or touch, invites the viewer into a contemplative engagement with the work, much like one might feel beneath the canopy of a willow tree.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>This piece epitomizes Bertoia's lifelong fascination with nature, stemming from his early years in the rural village of San Lorenzo, Italy. His sensitivity to the organic world continually informed his artistic practice, from his celebrated Sonambient sound sculptures to creations like “<em>Willow</em>, “which reimagine the relationship between form and environment. As he once said, "I no longer hold onto terms like music and sculpture. Those old distinctions have lost all their meaning."</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Once again , Bertoia captivates us by reaching beyond the traditional boundaries of sculpture, delivering a work that is as much a sensory experience as a visual one. It is a harmonious blend of natural inspiration and innovative artistry, a reminder of the sacred beauty found in the intersection of art and the natural world.</font></div>

BERTOIA HARRY

Lorsqu’un cheval se couche, c’est parce qu’il se sent en sécurité, ce qui, pour Deborah Butterfield, est une façon de dire qu’il est normal de se rendre vulnérable. « Echo », construit de manière à respecter ses compétences en matière de recherche de nourriture et sa capacité à souder le métal, n’adhère pas à une représentation traditionnelle d’un cheval, mais révèle plutôt quelque chose de sa nature essentielle. Construite à partir de tôles d’acier assemblées, certaines ondulées, d’autres pliées ou serties, c’est une pièce qui porte la marque du temps, vieillie jusqu’à une patine brun rouille, des imperfections célébrées plutôt que dissimulées. Le choix délibéré des matériaux et de leur traitement par Butterfield ajoute de la profondeur et du caractère, transformant Untitled, Echo en plus d’une simple représentation équine - il reflète la beauté sauvage et la résilience de l’animal qu’il représente.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

CHARLES ARNOLDI

WILLIAM WENDT

MARC QUINN

CHINOIS

SETH KAUFMAN

EDGAR ALWIN PAYNE

La sculpture de saule de Harry Bertoia résonne comme une expression de grâce et de délicatesse, des qualités qui démentent les associations habituelles que nous avons avec les propriétés intrinsèques de l'alliage dont elle est faite. Cette version suspendue - la rare version de Willow - semble avoir une présence consciente d'elle-même, qui se réjouit de ce contraste de propriétés. Pourtant, elle n'invite rien de plus qu'un plaisir existentiel à la regarder. Pensez à Willow comme une version audacieusement articulée de Calder si ce dernier maître avait une évocation plus organique ou corporelle à l'esprit. Suspendue, elle commande sa zone tout en respectant sa relation spatiale avec son environnement. Lumière, forme, espace - ce sont les outils conceptuels du sculpteur. Mais qui d'autre penserait à utiliser un matériau réfléchissant plus facilement associé à l'inflexibilité et à la force du tenseur pour créer un bouquet de brins d'acier inoxydable en cascade, suspendus dans l'espace, ressemblant à une fleur et d'une beauté si gracieuse ?

BERTOIA HARRY

JOANNA POUSETTE-DART

À la fin des années 1990, Manuel Neri a commencé à transformer de nombreuses sculptures en plâtre en bronze, revenant souvent à des œuvres antérieures pour produire de nouvelles interprétations imaginées de chaque pièce. Ces séries, presque indiscernables en termes de forme et de détails de surface, explorent l'impact de différentes combinaisons de couleurs et de marquages qui impliquent diverses actions, notamment l'incision, le brossage, le grattage ou la superposition de matériaux. En expérimentant différentes techniques de marquage, Neri a pu explorer l'interaction entre la forme, la couleur, la texture et la lumière. Dans le contexte de la Figure debout n° 3, Neri a limité sa palette à une palette de couleurs analogues, en diluant la peinture pour créer des gradations subtiles qui mettent en valeur l'extérieur lisse et raffiné de la sculpture.

NERI MANUEL

Les premières œuvres en papier mâché de Manuel Neri ont ouvert la voie à la technique sculpturale, et son approche de la peinture de ses sculptures reflète son profond engagement dans le potentiel expressif de la couleur et de la forme. Le choix et la disposition des couleurs dans Hombre Colorado II créent une réponse particulièrement viscérale qui reflète sa compréhension nuancée de la dimension psychologique et émotionnelle de la couleur. Conçu et produit en 1958, Hombre Colorado II reflète une époque où Neri et sa femme Joan Brown étaient engagés dans un riche échange artistique et contribuaient de manière significative à l'évolution de leurs styles respectifs et du mouvement figuratif de la Bay Area, dans lequel ils jouaient un rôle essentiel.

NERI MANUEL

MEL RAMOS

AI WEIWEI

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Heather James Fine Art offre une vaste gamme de services à la clientèle qui répondent à vos besoins particuliers en matière de collection d'œuvres d'art. Notre équipe d'exploitation comprend des gestionnaires d'œuvres d'art professionnels, un service de registraire complet et une équipe logistique possédant une vaste expérience du transport, de l'installation et de la gestion des collections d'œuvres d'art. Avec un service de gants blancs et des soins personnalisés, notre équipe fait un effort supplémentaire pour assurer des services artistiques exceptionnels à nos clients.

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